Es la segunda vez que Nicole Kidman trabaja tras la dirección del también australiano Baz Luhrmann (Moulin Rouge fue la anterior) y siempre borda los papeles, aunque esta vez el guión flojea de manera leve, recordando otros films. La historia se salva gracias al trabajo de edición de la cinta pues le dota de fuerza narrativa en su afán por proyectar imágenes de visionado rápido y fotogramas kitsch donde la calidad artística ejerce gran influencia.
Las interpretaciones son más que correctas y el guión aunque pueda parecer largo (casi tres horas de película) no cae en ningún momento en agujero alguno de aburrimiento. tanto Kidman como Hugh Jackman consiguen transmitir y hacer creer el amor entre ellos, aunque por los pelos, ya que el guionista no le concede muchos minutos a esta relación. La banda sonora también ayuda a ello y junto a la fotografía (que recuerda a "Memorias de África" o "Leyendas de pasión", entre muchas), el vestuario y la ambientación el film se convierte en una obra completa. Lejos de convertirse un clásico del cine, la obra asume de manera perfecta el objetivo del entretenimiento sin molestar su duración o los vacíos en el guión.
Lo mejor: la fotografía y Nicole Kidman.
Lo peor: La poca profundidad del guión en la relación amorosa entre Nicole y Jackman.
Film de John Patrick Shanley que adapta su propia obra de teatro, galardonada con un Pulitzer y un Tony (premio que se da a las mejores obras teatrales en USA).
La cinta destaca por unas interpretaciones magistrales de Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman, haciendo que los vaciíos del guión sean más soportables. La banda sonora de Howard Shore pasa desapercibida y existe sin aportar nada especial al film, ni tensión, ni drama, ni nada; ya lo hacen los actores.
Guión muy flojo, ambientación adecuada, final casi correcto.
Lo mejor: la interpretación de Philip Seymour Hoffman.
Michel Gondry es uno de esos pocos virtuosos que sabe utilizar la tecnología multimedia existente hoy día para crear. Su máxima expresión hasta el momento se alcanza en "La science des reves".
"Olvídate de mí" (con un fantástico Jim Carrey) y "Human nature" son sus otros dos largometrajes que seducen desde el inicio, con bandas sonoras que en vez de acompañar son parte de la historia (muchos grupos de los que dirige videoclips aparecen en ellos, véase "The White Stripes") e impactantes fotogramas que rezuman energía.
Su exquisito gusto por la imagen y su búsqueda de la perfección creativa lo convierten en genio y se perfila como un director adelantado a su tiempo. Su convicción y su fuerza audiovisual le han permitido dirigir films, videos musicales e incluso realizar publicidad. Nació en Versalles, Francia, y sí, tiene ese toque bohemio que tantos han intentado plasmar pero casi nadie ha conseguido ofrecer en el cine. Michel Gondry es un valor en alza, un "rara avis".
Los personajes que desarrolla en sus guiones son siempre seres que se alejan de un modo u otro de los comportamientos alienados de la sociedad.
En "La ciencia del sueño" el autor ofrece al espectador la posibilidad de asistir al proceso creativo de una manera directa, honesta y desenfadada, incluyendo la magnífica e inquina tarea de idear más que de acabar los proyectos creativos. Cualquiera que se haya visto seducido por las alas de la creatividad se habrá topado con ese fantasma de no acabar las ideas que en su génesis fueron tan deslumbrantes.
"La ciencia del sueño" narra la historia de un joven tímido que vive a mitad entre el sueño y la realidad y se traslada a Paris para iniciar un trabajo de "creativo". En esta ciudad conocerá a su vecina que le incitará a entrar en las redes del amor.
Al contrario de su anterior película aquí se invita al espectador a jugar más que a reflexionar, aunque tampoco se descarta el utilizar un poco la materia gris.
No es una película apta para todos los públicos pues su visionado invita al espectador a participar en su juego, a entrar en su mundo de fantasía, cabalgando entre la realidad y lo onírico. Pero el "esfuerzo" vale la pena y se sitúa como una de las obras más innovadoras dentro del séptimo arte. La poesía visual y la anarquía de su inventiva, en contraposición del surrealismo, le otorgan esa magia de la que debe constar el cine. El film respira romanticismo, libertad y respeto, incitando al espectador a ser dueño de sí mismo y a no dejarse sorpender por guiones manidos o personajes puestos con calzador, como por desgracia pasa con la gran mayoría de obras cinematográficas hoy día.
Gondry entiende el cine como arte, y merece el mismo respeto que otros autores que usaron el celuloide para la reflexión, véase Wim Wenders, Ingmar Bergman... ya que se aparta de todos esos directores que crean para comer o vivir. Gondry crea cine al igual que un escritor necesita escribir, o un ser vivo respirar.
Altamente recomendable para aquellos espíritus que necesitan crear, idear o inventar.
Un grito a la belleza de la razón y las ideas. Una oda a los ojos. Magnífica.
Lo peor: verla tras una comida copiosa. Lo mejor: el resto.
No consigo comprender como un arte como el cine en España tiene una academia tan nefasta, tan politizada y tan poco comprometida con la calidad. Año tras año veo circular distintas películas por estos premios, muchas de ellas pagadas por nosotros, con nuestros impuestos. Películas de peor y mejor calidad, de mayor o menor contenido en su mensaje, con más gracia o menos, pero lo de este año ha sido canallesco, una verdadera tomadura de pelo.
"Camino" de Javier Fesser se alza como ganadora, por delante de "Los girasoles ciegos" de Jose Luis Cuerda, "Los crímenes de Oxford" de Álex de la Iglesia y "Solo quiero caminar" de Agustin Diaz Yanes. Cualquiera de las anteriores obras supera a "Camino", tanto en guión como en respeto al espectador.
Camino es el nombre de una niña de once años que padeció una muerte por tumor cerebral siendo ejemplar su paciencia con el sufrimiento del dolor y al pertenecer a una comunidad cristiana, todo "Camino" es una falta de respeto al espectador, manipulándolo constantemente y contando una historia sólo con los trazos que a este pintor de brocha gorda le interesan. Se ridiculiza de una manera soez el pensamiento cristiano, optando por ofrecer su parte más oscurantista. Fesser caricaturiza a los personajes para su propio interés, muestra a un padre, no muy partícipe de la Iglesia, que apenas habla ni se queja durante el film. Una madre obsesionada por la religión, sin apenas mostrar amor por su hija y sólo hablando de Dios, para que de este modo el espectador rechace el pensamiento religioso y por si fuera poco se aprovecha de todo este montaje artificial para generar la lágrima fácil mediante sucesos que mejor no desvelar, pero que sucumben un insulto a la inteligencia de cualquiera que vea la obra.
El señor Fesser cree que somos tontos, ha sabido manipular la historia basada en hechos reales para su propio beneficio, considerándonos estúpidos y ajenos a cualquier reflexión. La hermana de Camino parece ser como el padre, un personaje plano, sin elección, que decide ser monja o algo por el estilo incitada por la madre, hecho que no se narra bien para generar más confusión y animadversión a la religión. Por Dios o por Tutatis, J. Fesser no nos insultes así. Si hablamos del resto de personajes que aparecen en este film, hasta las enfermeras, médicos o compañeros del colegio de Camino están ridicularizados y les sucumbe la estupidez supina, la falta de tacto y la carencia de amor. Las enfermeras parecen marujas de mercado y a los médicos se les nota que no son médicos, o son tan ineptos que no saben ni hacer una punción cervical o pronunciar bien "port-a-cath". Parece ser que solo Camino da amor y Dios, claro, aunque el amor de este último se muestra de manera sarcástica. Fesser iguala a Mr. Peebles (un personaje fantástico de un cuento que lee Camino) con Dios, sin hacerlo explícitamente pero dotándole con las mismas palabras de omnisciencia. Si esto no es manipulación... Hasta familiares en la vida real de Camino se han quejado de la manipulación del guión y de como se cuentan cosas que han sido falsas a lo que Fesser responde que ha mezclado situaciones de otras niñas que también murieron. Y ya está, el tio se queda tan ancho, aunque muestre en pantalla que está basada en este caso y no en otros.
Si dejamos de hablar del guión tan maltrecho, perjudicial e irrespetuoso para fijarnos en los aspectos técnicos del film, el señor Fesser no consigue nada nuevo ni relevante, no se ultilizan planos que ayuden a sentir el dolor o el amor. La banda sonora no destaca en ningún momento. La edición no está mal, aunque tampoco tiene mayor relevancia o fuerza.
En definitiva, estamos ante un film que considera al espectador una masa de pan informe que sólo sabe llorar, pero Fesser no es tonto sabe que no importa lo que moleste o lo que falte al respeto, importa su mensaje progre falso y el número de lágrimas que lanza el que la ve, como ya pasara con "Mar Adentro". Y ahí lo tenemos con sus premios, un tipo que no sabe hacer cine ni conectar con el público por mucho que ponga cara de madurito interesante. El creador de "El milagro de P. Tinto" y "Mortadelo y Filemón" intenta hacer un drama dando su opinión sobre las cosas (para eso existe la libre expresión) sin importar la falta de respeto al sentido común. Aún así nuestra queridísima Academia lo premia, si es que nos merecemos todo lo que nos pasa.
Recomendable su visionado para ver la tendencia de nuestro querídisimo cine, el mismo por el que tantos nos lloran para que vayamos a verlos, que me esperen, pero que lo hagan sentados.
Ahora lanzo yo una pregunta, ¿cómo podría decirle a los que subvencionan films con mi dinero que lo inviertan en otra cosa o en otro producto más plural? Así va el cine en nuestro querida piel de toro.
Lo mejor: las interpretaciones (aunque los padres parecen un poco mayores).
Dirección: Steven Spielberg.
Interpretación: Harrison Ford (Indiana Jones), Cate Blanchett (Irina Spalko), Karen Allen (Marion Ravenwood), Ray Winstone (Mac), John Hurt (profesor Oxley), Jim Broadbent (Dean Charles Stanforth), Shia LaBeouf (Mutt Williams).
Guión: David Koepp; basado en un argumento de George Lucas y Jeff Nathanson.
Producción: Frank Marshall.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 124 min.
Un guión resultón, una banda sonora que no hace honor a su compositor y un montón de efectos especiales son los componentes que nutren a Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal. La última película de Steven Spielberg destila las mismas aventuras de siempre sin conseguir ejercer en el espectador un buen bouquet.
Tras tantos años de adormecimiento"aventuril", este director conocido por sus grandes éxitos de taquilla (ET, Tiburón, Encuentros en la tercera fase, Parque Jurásico, Salvar al soldado Ryan, Los Goonies...) hace un kit-kat de su trabajo como productor, tarea que últimamente realiza con mayor frecuencia que la de dirección, para regalarnos, a petición del público, una historia que no tiene pies ni cabeza.
Ayudándose de su amigo George Lucas (otro mastodonte del cine de la decada de los 80) que ya colaboró en el guión en "Indiana Jones y el templo maldito (1984)" y "En busca del arca perdida (1981)" , juntando a David Koepp ( un guionista de estos de Hollywood que no escribe nada que no sea comercial, ya no sé ni si escribe algo original, porque...: "La ventana secreta" (basada en una historia de Stephen King), "Parque Jurásico" (basada en una novela de Michael Crichton), "Spiderman" (basado en el comic),etc...) y sumando a tan, debiera ser, opulenta obra, a Jeff Nathanson (otro guionista con titulos comerciales a sus espaldas sin ningún transfondo serio o transcedental) para parir este hijo bastardo, que solo ofrece diversión a niños o espectadores poco exigentes. El guión adolece de falta de originalidad, frescura o gracia y por no escribir "spoilers" renuncio a explicar el porqué, comprobadlo vosotros mismos. Eso sí, el final es inmejorable, podría ser peor, pero creo que es dificil superar tanta prisa por acabar una historia, se ve que esta gente de Hollywood sólo sabe hacer "productos" de 120 minutos de metraje y les da igual si el trasiego de la acción durante toda la película obliga a un final con más ambición y con más minutos. La resolución de la historia es de risa y el gag final produce unas ganas enormes de coger una katana y rasgar toda la pantalla de cine. En fin, nos gusta Indiana Jones, sí, pero no nos tomen más el pelo con películas así, por favor.
Lo mejor: Harrison Ford, con su cara de cartón, su media sonrisa de Indy, su fobia a las serpientes y sus 64 añazos (no me extraña que use doble para las escenas de acción).
Lo peor: - El guión.
- La banda sonora.
- Tanto efecto especial.
- Que la industria americana esté tan vacía de guiones originales y de aspectos innovadores.
Es una de las mejores series de TV que he visto en mis 30 años. Sólo comparable con la grandiosa "Twin Peaks" de David Lynch y David Foster.
Se centra en una familia llena de historias oscuras y geniales dueña de una funeraria en Los Ángeles.
Esta serie irrumpió en la pequeña pantalla dejando una estela de buenas críticas, especialmente por la audacia de abordar el tema de la muerte y el duelo de una forma tan real y al mismo tiempo con una justa dosis de humor negro.
Cada capítulo comienza con la lectura macabra, a veces divertida y muchas veces absurda, de los últimos minutos de la vida de un futuro cliente de la familia Fisher.
Con ’Six feet under’, la HBO no hizo más que consolidarse como la cadena que en los últimos años ha ganado la reputación de producir las series más innovadoras de la televisión estadounidense, especialmente por ’Sexo en Nueva York’ (’Sex and the city’) o ’Los Soprano’.
La expresión artística que se sucede a través de sus imágenes transciende más allá del espectador, sin saber cómo, éste se siente identificado con alguna situación y/o personaje, ya que su narración ahonda de una manera extensa sobre el desarrollo del perfil psicológico. En esta serie se muestra como nunca antes se había hecho en TV, una profundización interior de las maneras que tenemos los individuos de actuar ante los problemas cotidianos,ante las situaciones comprometidas más habituales, pero de un modo que se convierten en bellísimas metáforas, mostrando ante todo el respeto al sentido común y haciéndolo siempre con mucha medida, sin crear connotaciones morales.
Allan Ball, su director y el creador de "American Beauty", ofrece a través de 5 temporadas (con algún que otro altibajo, 5ó 6 caps. flojos como mucho) una profundidad de los personajes enorme, mostrando incluso los pensamientos y los recuerdos de losprotagonistas a través de fotogramas realmente impactantes. La creación de personajes es magistral.
"A dos metros bajo tierra" es irreverente, atrevida, politicamente incorrecta,transgresora, inteligente, permanecerá en la memoria de todos aquellos que la vean de principio a fin al despertar tantos sentimientos: tristeza, amor, desamparo, complicidad...
Ácida, anormal, cáustica, conmovedora, enriquecedora, excepcional, excitante, fresca, hilarante, inconmensurable, inolvidable, inquietante, intensa, irrepetible, imprescindible, irónica, literaria, mágica, maravillosa, original, perturbadora, perfecta, provocadora, única, eterna…
¿Aún tienes dudas de que vale la pena verla? Lo peor de la serie es haberla visto entera y tener que vivir echando de menosa lafamilia Fisher.
Mario Benedetti , Juan Gelman, Oliverio Girondo (poemas)yEliseo subiela.
Fecha de realización: 26 Mayo 1993 (Argentina y Canadá)
Género: Comedia / Romance / Drama
Premios: - Festival de Montréal, Canadá (1992): Gran Premio de las Américas, Sol de Oro a la Mejor Actriz Protagonista, y al Mejor Actor Protagonista.
- Festival Internacional de Cine de La Habana, Cuba (1992): Segundo Premio Coral a la Mejor Película, Premio Coral al Mejor Actor Protagonista, Premio FIPRESCI.
- Festival de Huelva, Andalucía, España (1992): Premio Carabela de Plata, Premio de la Crítica.
- Premios INCAA, Argentina (1992): Premios Sur al Mejor Director, a la Mejor Dirección de Arte, a la Mejor Fotografía y al Mejor Montaje/Edición.
- Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania (1993): Premio al Mejor Director, a la Mejor Fotografía y Premio de la Crítica.
Crítica:
Eliseo Subiela es un director de cine argentino capaz de fundir la magia de la poesía con el cine.
Son temas fundamentales en sus películas la búsqueda del padre y el amor en contraposición a la muerte.
Nacido en Buenos Aires, comenzó estudios de Filosofía y Letras y de Dirección en la Escuela de Cine de La Plata, pero pronto los abandonó para filmar su primer corto, Un largo silencio (1963). Con su segundo corto, Sobre todas las estrellas (1965), obtuvo el premio del Instituto de Cinematografía Argentino.
La conquista del paraíso (1980), su primer largometraje, fue bien recibido por la crítica pero resultó un fracaso de taquilla. Su filmografía incluye:
Hombre mirando al sureste (1986)
El lado oscuro del corazón (1992)
No te mueras sin decirme a dónde vas (1995)
Despabílate amor (1996)
El lado oscuro del corazón II(2002).
Esta película de bajo presupuesto consigue arrebatar lágrimas y pasión en el espectador. Su ferocidad y filosofía poética de la vida hace sentir por igual tanto el ardor de un amor como el dolor que a veces ofrece ese lado oscuro del corazón, donde se albergan la muerte y todas las personas que tienen miedo a soñar.
Sus planos destacan en el encuadre convirtiendo , con muy pocos medios, a la imagen en poesía, sin llegar al aspecto visual de otros directores como Wong Kar-Wai en 2046, por poner un ejemplo, pero consiguiendo una atmósfera que arrebata los sentimientos del espectador.
"El lado oscuro del corazón" retrotrae al cine de los nuevaolistas (Truffaut y los demás) en su ímpetu por construir otro concepto de cine, otro uso, el de sentir y escarbar en las sensaciones usando lenguajes distintos no utilizados usualmente en largometrajes. En este caso es el guión el que destaca y cumple su función con creces, basándose en la poesía construye un universo propio de intenso lirismo que no pasa desapercibido. Así pues,estamos ante una película que se ha convertido en una de esas joyas inmortales del cine por la que nunca pasarán los años.
«Entiendo que el cine es un lenguaje esencialmente poético, más allá, por supuesto, de que en este caso el tema específico sea la poesía, y por lo tanto, es un medio extraordinario para masificar la poesía, para dársela a conocer a mucha gente» (Eliseo Subiela).
Magnífica opera de Julio Médem, donde establece su corpus magnus mágico a la hora de contar historias, este guión en manos de otro director no hubiera pasado de ser una historia sensiblera más del cine, pero nuestro querido director Médem la transforma y le da ese sello suyo tan característico y personal que lo define, convirtiéndose en un gran flm con pretensiones universales.
El guión, los silencios, la fotografía, las interpretaciones y la banda sonora son inmejorables.
La técnica de edición y el acabado final de todas las tomas sorprenden al ver como sí es posible hacer buen cine en España.
La historia de amor que se desarrolla esconde toda la pasión que existe dentro de esos amores que son dificiles de llevarse a cabo por las circunstancias de la vida en la que cada uno se encuentra y aunque ambos protagonistas deseen arribar a formalizar tal pasión, las leyes del destino, a veces, marcan su firma. Final inmejorable.
